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La peinture a naturellement une certaine qualité liquide. Cependant, il y a assez de peintres qui peignent à sec et où la peinture est collée de façon immuable à la toile. Mais il y a aussi des peintres qui mettent cet aspect liquide au premier plan et en font le coeur de leur travail. Prenez Jérôme Robbe. Il laisse la peinture couler librement et crée une image qui contient une immense temporalité.
Les peintures de la série « L’Air de Rien » et « Surfaces » sont des évocations d’un monde fluide. Il semble que la peinture se soit solidifiée pendant un court moment avant de continuer à couler. Une peinture comme un instantané. Ensemble, ces peintures forment presque un flux de temps. Pour Robbe, la fluidité signifie liberté. Robbe ne veut pas avoir le contrôle pendant le processus de création. Il veut laisser la nature prendre son cours, laisser les choses à la dérive et d’être tout au plus un assistant. Pas un croquis précède ses peintures. Il se pose ici et maintenant en répondant à ce qui se passe, à la matière.
Une déclaration frappante de Jérôme Robbe est la suivante : « La peinture n’a rien à voir avec le génie, mais tout avec les inventions. Le génie réside dans l’invention de matériaux et de techniques qui permettent de peindre différemment et mieux." *
L’artiste considère donc cette histoire de la peinture comme une succession d’inventions techniques. D’abord peint avec les mains, puis sur le bois avec l’eau, ensuite avec l’oeuf (tempera), ensuite l’huile, l’acrylique et la glycéro-acrylique ont été successivement découverts, et le panneau a été échangé contre la toile. Afin de procéder au développement de la peinture et d’être un peintre de son temps, il est nécessaire de continuer la séquence des inventions.
La série « L’Air de Rien », lancée vers 2009-2010, par exemple, est peinte sur du plexiglas avec un revêtement d’argent ou d’or, ce qui a un effet sur la profondeur, la luminosité et la « température » de la couleur appliquée. La série répond à l’esthétique des carrosserie des voitures, des pierres précieuses et des bijoux, mais aussi aux appareils numériques. L’artiste chauffe la plaque de plexiglas avec un pistolet à chaleur. En conséquence, elle devient molle, se dilate, commence à buller. Elle est déformée et la surface se transforme en ondulations, fissures et craquelures. L’artiste vaporise ensuite quelques litres d’eau au-dessus du plexiglas. La brume tourbillonne lentement vers le panneau. Le vernis transparent coloré avec des pigments, est ensuite versé sur elle, trouve son chemin à travers la surface déformée, tout
comme une rivière suit son lit ou comme un écoulement de lave cherche son point le plus bas. La gravité et le hasard font leur travail. les peintures sont poncées plus légères et une fois de plus arrosées de vernis mat ou brillant. L'opération se répète de nombreuses fois.
L’artiste dessine systématiquement une ligne latérale dans le support.
Il évoque des associations d'idées avec un horizon ou une rivière au travers de laquelle les monochromes abstraits peuvent également être vus comme des peintures de paysage. Ce paysage se reflète dans le processus : le coulage du vernis sur le panneau irrégulier, le paysage ondulant.
Là où l’artiste a déjà représenté des paysages, il les laisse aujourd’hui émerger.
Le titre « L’Air de Rien » renvoie entre autre, dans sa vision absurde, à l’oeuvre « Air de Paris » de Marcel Duchamp (forme de verre dans laquelle l’air est stocké).
par Nanda Janssen pour l’exposition Fluid Desires au Nest art center, La Haye,
Pays-Bas.